李楠：“光”的故事（上）

十里河

李楠：“光”的故事（上）

2016-2-4 09:49| 发布者: zhcvl| 查看: 282| 评论: 0|原作者: 李楠|来自: 李楠工作室

摘要: 摄影被称为“光的艺术”。那么，“光”，又是什么呢？ 事实上，“光”本身，一直都是艺术表现的重要对象和主题。光线在艺术中的闪耀轨迹，不仅折射着艺术的曲折历史，也烛照着艺术的内在精神：艺术的最终目的，是使 ...

摄影被称为“光的艺术”。那么，“光”，又是什么呢？ 事实上，“光”本身，一直都是艺术表现的重要对象和主题。光线在艺术中的闪耀轨迹，不仅折射着艺术的曲折历史，也烛照着艺术的内在精神：艺术的最终目的，是使人通过艺术获得自由。光线的自由之路，也正是艺术的自由之路。 新年伊始，我们就分上下两篇，来详细聊聊“光”的故事。 艺术的概念，大约在15世纪方始形成。这个时候的“光”，基本是上帝的旨意。上帝说，要有光，便有了光。当时盛行的基督教艺术并不在意“光”，即使一幅绘画中有光，其角度、强弱、形态也完全服从宗教主题的需要。光线，只是一个奴仆般的道具，并无自由可言。 贝利尼作品 16世纪，威尼斯画派和北方画派逐渐走出庄严刻板的黑褐色主调，光和光照之下的色彩开始明快、优雅、活泼起来。17世纪，巴洛克风格的画家们发现，光影效果可以有力地塑造空间的真实感与画面的戏剧性，光线逐渐成为画面的主导因素。 这个时代的荷兰画家约翰内斯•维米尔进一步将真实的自然光（外光，而不是人造光）引入绘画。值得一提的是，维米尔笔下微妙逼真的光斑效果，足足在两个世纪之后，摄影术才捕捉到。因此，后人不由揣测维米尔可能借助了某种带透镜的机械装置（暗箱）作为取景手段，把远处的景象投影到画布上来作画。 维米尔作品 到了19世纪，按捺不住的光线，驱动着艺术家们干脆走出画室，置身真实的光线中，直接面对大自然写生。这一时期的代表人物透纳，被称为“光的画家”，他笔下的光线在空气中千变万化，透明的律动中蕴含着丰富强烈的主观情感。 透纳作品 光，不再是道具，不再是环境，而成为艺术家内心表达的主角。当光在画家们的笔下越来越自由奔放时，画家们的心灵表达也越来越自由强烈。 这些不甘于“黑暗”的艺术家和巴比松画派、德拉克洛瓦、库尔贝等等大师一起，启迪了划时代的印象主义。与此同时，另一只“捕光之手”也在推动着印象主义的诞生与发展，那便是摄影。 1839年，达盖尔发明摄影术；1841年，塔尔博特发明卡罗式摄影法，并提出“摄影”一词。人类对光线的观看和表现迎来了前所未有的变革。 摄影促使画家们必须以“物理的眼睛”去观看自然，这对于将“光”奉为最高创作主题的印象主义来说意义重大。1847年，正是在一位摄影家——法国摄影家纳达尔的照相馆里，印象主义宣告诞生：在此举办的一场独立艺术家作品展上，莫奈的《日出•印象》引发巨大争论，印象主义从此走上历史舞台。 《日出•印象》 早期的印象主义以现代七色光学原理表现光与色，以“点”取代了传统绘画的“线与面”；后期的印象主义如德加、蒙克，则从摄影的特写镜头与明暗关系、前后景构图上得到启发，将此移植入画，使得绘画的角度与造型有了照片一般的虚实、纵深效果。 摄影与绘画对光的探索，在印象主义中交汇成一场空前的视觉革命。 德加作品 其后的新印象主义即点彩派，进一步将色彩进行显微镜般的分割，犹如像素一般排列组合的色点，“以光学调色代替了颜料调色”。其代表人物修拉直接说：“绘画就是科学”。点彩派认为，光线不是感性的印象，而是永恒的、稳定的、理性的真理。至此，光线从表达自我的手段又变为纯粹的形式元素。 修拉作品 通过以上粗疏的梳理，我们不难看出光线的自由经历了何种曲折，也不难发现：自然、科学技术和人作为生命主体的内心诉求，对这种自由有着何等深切、复杂、缠绵不绝的影响。 简要归纳：人类对于自然之光的向往与追求，一方面是出于摆脱宗教束缚的冲动，另一方面也出于在不真实中渴望真实的本能。它引领艺术家寻找技术、材料的支持，以实现对大自然的再现，并在其间获得自由愉悦之感。 接下来，印象主义进一步将自然科学的法则、成果、包括摄影的原理和效果，与他们的艺术观点紧密结合起来进行创作。在印象主义看来，“阳光之下，万物平等”。这同样符合人类内心的基本愿望。 但凡事过犹不及。因为印象主义一开始就注重形式，不讲求思想、意义与本质，使得它再往后发展就难免自陷于形式的窠臼。 点彩派强调极具规律性的色点排列，启发了现代彩色网点印刷术、电视机显示屏、包括数码成像技术的发明。这固然是一种技术进步，但也从另一个侧面说明了点彩派的“工艺感”特质。因此，点彩派虽然建立在严格的科学原理之上，但它的艺术活动期却非常短暂。 光线，再一次被某种刻板的规则束缚住时，艺术的表达也相应地平淡了。 我们继续顺流而下，就会发现，这一规律愈加显明。 波洛克作品 在1860至1960年的现代主义百年期间，绘画的走向大致如此：由在二维平面上努力实现三维透视的效果，向着摆脱三维的方向发展，同时试图摆脱任何与书写话语有关的符号体系，从写实外界向绘画自身还原。画画就是在二维平面上的艺术：形状、颜料、笔触以及与之有关的物理属性与技术材料等成为重点。 沿着这一逻辑走下去，任何具象的表现都不是绘画，只有完全的抽象才是绘画的本质。于是，从抽象表现主义，到大色域抽象绘画，以至全白全黑的极少主义，绘画在视觉形式的探索上脚不旋踵，一口气走到了巅峰，同时也走到了尽头。 “为艺术而艺术”，“为绘画而绘画”，这一神圣的口号意味着：艺术已成为绞死艺术的绳索，艺术不仅完全脱离了自然，而且彻底地漠视着血肉生命。 当艺术的崇高与严格律令完全凌驾于人之上时，本应是艺术主体的人，沦为艺术的奴隶。 这种异化的角色，导致艺术与艺术家的关系扭曲变形，成为对立的两端。这两种对立集于为艺术者的一介肉身，完全无法调合。何况，资本与市场决不允许这种调和发生。因为这样一来，艺术与艺术家便不再是一种含有特殊价值的“商品”了。 因此，艺术家既然无法向外寻求解决之道，只能向内自我解决。他们只能毁灭自身，以此向艺术家的崇高身份献祭。 罗斯科作品 这种鲜血淋漓的悲剧在现实中一再重演，从未停止。比如罗斯科和波洛克，两位抽象表现主义最重要的代表人物。因抽象表现主义一度占据着全球艺术的霸权地位，两位大师生前都备极荣宠，名利双收。然而，正是在做成了万人瞩目的“大艺术家”之时，他们悲惨地结束了生命。 旁人无法察觉，他们自己却无法欺骗自己：一面是不停索要新作品的艺术与市场，一面是完全被掏空了的灵魂。荣誉越大，恐惧越大；声名日隆，绝望日深。罗斯科说：“让人悲哀的是，自由的时刻非常短暂。”而波洛克则说：“我痛恨艺术。” 艺术可以杀人，但杀人的其实不是艺术，而是成为艺术奴隶的那颗内心。不自由，便为诛心。当艺术家内心的自由之光完全被黑暗吞没时，艺术也走到了绝境。 此路不通，只能另寻他途。 当形式在现代主义走到尽头时，这便提醒我们：视觉形式或任何形式，都不再是目标。换而言之，形式已不是问题了。那么，什么才是问题呢？ 自由的光线是否就此泯灭了呢？ 且听下回分解。

神州揽胜

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十里河

神州揽胜 发表于 2016-2-15 07:12
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四季风-帆航

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四季风-帆航

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十里河

四季风-帆航 发表于 2016-2-15 20:25
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十里河

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笨笨嘉

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渔水翁

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