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数字时代博物馆美术作品拍摄的几点技巧 2016年06月 作者： 来源:中国文物信息网 责任编辑:前进者
简介： 中国国家博物馆现收藏近现代美术作品 550余件。自 1950年开始，中国国家博物馆 （原中国革命博物馆） 围绕着展览陈列需要，创作了大量具有鲜明时代主题的美术作品。其中部分作品在全国产生了巨大的影响， ...
内容：
中国国家博物馆现收藏近现代美术作品 550余件。自 1950年开始，中国国家博物馆 （原中国革命博物馆） 围绕着展览陈列需要，创作了大量具有鲜明时代主题的美术作品。其中部分作品在全国产生了巨大的影响，成为当代中国美术的经典佳作。随着博物馆全面数字化发展，美术作品的拍摄方法也迎来了新的时代。美术作品的拍摄是一件比较复杂的事。每件美术作品的拍摄所运用的布光、曝光等技术要求都有所不同，拍摄时时常会出现各种技术问题。要想拍摄好美术作品，就需要我们充分分析问题产生的原因，并在实际拍摄中予以解决。
美术作品数字采集的用途
美术作品拍摄用途广泛，最重要的是用来出版印刷。美术作品通过拍摄与出版可被更多不能亲眼见到原作的观众所知道，加快了文化艺术的传播速度。
拍摄美术作品的另一目的在于管理研究。拍摄时常常需要用多种不同角度的拍摄来表现美术作品的尺寸、机理、厚度、环境以及其他有意义的细节。为了科学地反映美术作品的尺寸，我们在拍摄时，放进一把标尺或其他可以识别长度尺寸的识别物。还可以为某些美术作品局部作特写拍摄，这样不仅可以对绘画精彩的细节做出突出表现，还可以充分显示原件的真实性和质感。
美术作品的拍摄还常被用于作品的损坏与修复记录。一幅美术作品在借展与归还前后，常需要用照片记录绘画的现状， 以方便后期对作品交接前后画面的断裂、 破损、 污迹等现状进行比对。 若美术作品需更换画框或重新装裱时， 画框、 油画布反面、 国画的轴头、 绫子等也需要拍摄记录， 以保存该幅美术作品历史记录的完整性。
色彩的真实再现
显示器的校对。在传统胶片时代，拍摄过程中文物摄影师唯一可以干涉的环节只有拍摄和印刷校对。但在数字摄影时代，之前胶片的生产、运输、冲洗、电分等诸多流程都已消失，摄影师在整个拍摄过程中拥有了更强的控制力。这使我们对整个流程的色彩把控成为可能。
显示器作为拍摄美术作品时的采集与后期加工的重要设备，为达到美术作品色彩的精准还原，对显示器进行色彩管理是必须做的工作。在日常工作中，由于显示器的灯管亮度会随着使用时间而不断递减，因此最好每隔一周使用专业色彩管理软件进行校对。
在标准的环境下布光。 光源的显色性及色温等参数直接影响到采集设备对被摄物颜色采集的准确性。 在日常美术作品拍摄中， 房间墙壁颜色最好为深灰色， 室内光线应尽可能减弱， 两支灯光放在作品的两侧， 与作品成 45°夹角。 让相机尽可能远离被拍摄物体， 以避免引起杂光反射或色彩污染。
标准色卡的使用。 在拍摄美术作品时， 若在同一光源场景下， 应先将标准 24色色卡放置在拍摄场景中， 拍摄一张曝光正确的 RAW格式照片， 然后再开始正式拍摄。 在后期处理时， 使用 Photoshop将这张带有 24色标准色卡的 RAW格式文件转换成 DNG格式， 再将 DNG文件导入到与色卡配套使用的色彩软件中。 生成含有此光源场景中正确色彩信息的相机色彩曲线并保存到 Photoshop的相应文件夹中。 在校对其他绘画作品色彩时， 只需使用 Photoshop打开对应的美术作品数字文件， 加载之前生成的相机色彩曲线， 就可实现同一光源场景下的所有作品的色彩统一校对。
专业相机的使用
作为国内一级博物馆， 国家博物馆的数字摄影起步较早， 使用的是可做前后组非对称俯仰和摇摆操作的大画幅数字相机。 大画幅相机可通过前后镜头的摇摆与俯仰， 创造出更广阔的有效像场， 校正由于画框变形而造成的立体焦平面变化而形成的透视畸变现象。 在拍摄大型美术作品时， 为确保采集精度会进行作品的分段拍摄。 多幅拼接工作时， 大画幅相机可在保持机位不变的前提下， 减少相邻两幅影像的重叠面积， 有效地提高工作效率。
国画拍摄技巧
固定拍摄位置。拍摄国画类美术作品时，为了获得最好的艺术效果，应保证相机镜头与绘画作品尽可能的垂直。拍摄时，摄影师需要反复地调试相机与美术作品的相对位置关系。在固定美术作品拍摄位置操作时要非常小心，所采取的方法，必须保证美术作品原件不会受到任何磕碰损害或灯光高温照射伤害。使用以下几种方法可在保障美术作品原件安全的前提下，最大限度保持作品的平整度：
一、 当需要在翻拍台垂直进行绘画拍摄时，使用两条带有配重的带子可快速安全地将作品压平。但这种方法拍摄的前提是原件在画心外需有衬纸。
二、 在拍摄没有衬纸的美术作品时， 绝不能在原作品上直接使用大头针、 图钉或黏合剂。 这些道具的使用会对美术作品带来永久性的伤害。 使用以下方法可避免拍摄道具直接接触原件， 也同时可避免在翻拍的过程中留下阴影。……用泥胶将坚硬的压板黏牢，压平作品； 用 泥 胶 将 大 头 针 黏住，压平作品；用大头针穿过纸带，再将纸带在翻拍板上黏牢，压平作品。
水墨多层次的表现。中国绘画大致可分为工笔画和写意画两种。工笔画用笔工整细致，敷色层层渲染，细节明澈入微；写意画用简练、豪放、洒脱的笔墨，描绘物象的形神，抒发作者的感情。拍摄时摄影师不光要掌握娴熟的摄影技巧，还要对不同年代不同质地的纸张、墨汁、印泥的特点有深刻的了解。拍摄时需要严格注意曝光量的控制。曝光过度，宣纸本身的色彩、年代感与机理就显示不出来；曝光不足，笔墨丢失层次，融为一团。因此，国画作品影像的色彩平衡、反差以及灯光照度都是构成成功拍摄的极为重要的因素。
墨分五色即中国画技法名。指以水调节墨色多层次的浓淡干湿。出处来自于唐代张彦远《历代名画记》： “运墨而五色具。 ”实际乃指墨色运用上的丰富变化。在拍摄过程中，墨色层次的变化全由光照强度来控制。只有精准适度的曝光才能真正展现出水墨的无穷变化， 把观众真正带入到画家原有的意境之中。
油画拍摄技巧
油画除尘。油画作品由于长期开放式地保存在库房或展厅，不可避免地会在画作表面蒙上一层尘土。拍摄前应确保美术作品表面清洁，任何灰尘颗粒都会影响影像的最终效果。
适度使用偏振镜。在翻拍油画时，偏振镜是一种常用的附件。偏振镜可帮助我们消除画面表面不必要的光斑与反光，提高翻拍对象的反差和饱和度，使我们的布光更加简便。但如果拍摄要求影像保留更多美术作品画面本身的质感，那么我们就要尽可能少用或适度使用偏振镜，若使用不得当，有时会在消除光斑的同时，也消除了画家构思中认为十分重要的反光和光晕。
演绎照明法。近年来，油画与雕塑两种不同的艺术形式之间的界限越来越模糊，油画作品的立体化效果更为普遍，对于高浮雕效果的油画作品，通常的标准翻拍布光方式就不再适用了。例如，画家在油画中使用了颜料堆积法，这种创作手法可使颜料堆积部分产生阴影，画家利用阴影所形成的深色面积来替代深色的颜料，给人们造成深度色彩的错觉。如果我们在拍摄此类照片的时候没有注意到原作的特点，采用了不正确的布光方式，就不能较好地还原作品原本的艺术效果。
遇到这种油彩堆积的油画，我们先要仔细观察绘画本身的特点，分析绘画中的光源方向。使用单灯照射，模拟画面光线，使画面产生与画面光线对应一致的阴影效果，强化绘画的明暗关系。展厅现场环境的拍摄。在博物馆实际工作中，美术作品保管员为保障重要作品安全，不能顾及在摄影室中拍摄条件的便利，不能把珍贵藏品搬到摄影室中进行拍摄。这就需要摄影师带着拍摄器材在美术作品展示现场布光拍摄。但无论在怎样的现场进行拍摄，事先都需要进行周密的计划。在拍摄前，需要对拍摄现场进行细致的考察，严格控制工作人员数量，腾出足够纵深的空间，现场应具备可由工作人员自主操作的室内照明设施、电源及稳压设备等。如果条件允许，在夜间进行美术作品的拍摄是最为理想的。
红外光和紫外光辐射拍摄油画。使用红外光或紫外光辐射的方法拍摄油画，常被用于油画的科学分析、鉴定与研究。严格意义来说，红外紫外光摄影已经不属于美术作品拍摄的范畴，应划分到科技保护的范畴。多光谱带彩色摄影，即使用专业胶片，利用电磁辐射的红外区域或紫外线区域进行拍摄。利用油画颜料对不同光谱辐射与可见光的反射和透射具有不同的特性，达到从视觉上看起来完全相同的两种颜料，根据绘画前后时间不同，在红外紫外线胶片上可能出现差别很大的两种影调。红外线还可以穿透一些阻光颜料，“透视”出几层油画油彩下的画布底稿，为艺术研究学者的深入研究提供了更多的技术支持。
拍摄照片很容易，但若要拍摄一张真实准确的馆藏级美术作品，不光需要摄影师具有扎实地摄影技术，更需要摄影师提高对美术作品的鉴赏水平，学会欣赏和品味每一件美术作品，并在工作中注意总结拍摄技巧。通过文物摄影师精确的拍摄与准确的色彩还原，使这些经典美术作品通过最新的数字技术在电脑上得以再现，使藏品和研究成果迅速传播到世界各地，为更多的人所知。
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狗仔卡
发表于 2016-6-16 16:02
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